26/09/2022 - 15:55

挪威著名画家爱德华·蒙克（1863-1944）生前在北欧的斯堪的纳维亚半岛、德语国家，以及小范围的在一些欧洲国家里名气不小，直到第一次世界大战之后，他的知名度也就日渐消弭。现在他的画名虽已被广为人知，但他的作品却可悲地被人们简化的只剩下代表作，就如梵高被简化为断耳自画像，毕加索被简化为《亚维农少女》（1907）那样。

就蒙克而言，是他创作的著名作品《呐喊》（1893-1917），被无休止地复制和改变。本次在巴黎奥赛博物馆举行的蒙克作品回顾展中，这幅代表作是以艺术家在1895年绘制的石版画的版本出现，表面上展览并没有突出这一作品。而且具有充分的理由：展览的目的是用一百多幅作品，不管是画布的还是纸质的，尽可能完整地呈现蒙克的艺术创作，远离平庸。

本次回顾展虽然展出了许多他最著名的作品，如1891-1896年创作的《忧郁》和1892年的作品《卡尔-约翰大街的夜晚》，但蒙克其他那些不那么令人期待的作品，至少和也和他的知名作品一样，有着同等的地位，如名为 "林德壁画 "的木板画。这幅作品以德国艺术赞助人马克斯-林德的名字命名，1904年他向挪威艺术家委托创作了这幅作品，可当林德看到成品时就拒绝了，因为在他看来，这幅作品不适合放在自己孩子的卧室里。

展览的另一个特点是：展出了蒙克作品中反复出现的主题的几个不同版本，如《吸血鬼》或《桥上的女人》，不同的版本，创作时间有时相隔几十年，从而显示出蒙克直到一战时，是如何尝试以不同的表现方式，创新，以及风格的转变，这使得当时的画评家和艺术爱好者感到不解，当然这是委婉的说法。

所以，严格的坚持作品创作的时间顺序是没有意义的，展览的策展人克莱尔-贝纳尔迪也摆脱了这一点，她更喜欢邀请观众自行对画作进行比较、发现惊喜。这种对创作过程及其节奏的关注是如此明显，因为用油画、素描、平版印刷和木雕处理同一主题的几种表现方式有时还并列展出。

从一个到另一个，这些变化既可以是形式的，也可以是补充元素的增加。除了不断的实验，没有其他规则，直到蒙克生命的最后几年，在1940-1943年创作的一幅自画像中，蒙克同时从正面和侧面展示自己，以毕加索式的粗暴方式，进行交叉划线、涂抹着的明黄色背景带给人一丝丝酸涩感。

除了这丝丝酸涩，同时让人想起的还有：塞尚、梵高、马蒂斯和德国表现主义艺术家团体——“桥社（Die Brücke）”的画家们--基希纳、诺尔德。蒙克在1934-1940年创作的作品《桥上的女人》用马蒂斯式的视角来看，就是一幅野兽派风格的作品。1920年画的《白夜、内心煎熬的自画像》具有塞尚最后一幅肖像画的特点。

通过展示这些不为人熟知的作品，奥赛博物馆的回顾览将它们的作者置于一个开放的绘画史中。而从历史上来说这是恰如其分的：蒙克经常旅行，且常常远离他的家乡挪威，在巴黎和柏林都驻足停留了好几年，并在欧洲的这两个大都市和其他欧洲国家展出作品。他观察同时代的画家，从莫奈的印象派到马蒂斯的野兽派，甚至可能还看过康定斯基的作品。他还阅读了大量他那个时代的戏剧文学作品和尼采的著作。

因此，本次回顾展所展示的是在工作室里正在创作的蒙克，可以近距离观察。但他画的是什么呢？是他所有同时代人生活中都有的共同点：同样的欲望、同样的焦虑、同样的幻想、同样的失败。而所有这一切从一开始就不断地，有意识地从亲密的特殊走向一种视觉的精神分析。